martes, 13 de noviembre de 2018

SURREALISMO


Surrealismo 



El término Surrealismo es de origen francés y quiere describir el ir más allá de la realidad, se aplica a la literatura cuando en 1917, Apollinaire califica de “drama surrealista” su obra “Les mamelles de Tiresias.”



Resultado de imagen para SurrealismoCon la desintegración del movimiento Dada, al intentar Breton dotarlo de una doctrina, se organiza un nuevo grupo en el que se encuentran Louis Aragon, Paul Eluard, Max Morise , Max Ernst… Todos ellos empiezan a explorar el subconsciente, aunque el tema atrae especialmente a Bretón , quien como psiquiatra, viaja a Viena para conocer a Sigmund Freud y se interesa por los estudios sobre hipnosis de Myers, Flournoy y Richet.

Muchos de los postulados dadaístas se mantienen en el surrealismo, lo mismo que muchos de sus gestos, actitudes destructivas y métodos provocadores, pero todo ello bajo una fisonomía diferente ya que pretende dar fundamente a la libertad como una doctrina, se pasa de la negación absoluta a la afirmación.


The love of Zero


Esta película es uno de los muchos ejemplos de cine surrealista que podemos encontrar, en ella se combinan las imágenes como en una ensoñación constante de la que los protagonistas no pueden salir, tiene también influencia de otros movimientos de vanguardia como el cine Expresionista que se realizaba en Alemania.

Quizá el mejor representante del cine surrealista sea Luis Buñuel con obras como la Edad de Oro o El perro andaluz, pero en esta ocasión he preferido introducir otra producción quizá no tan conocida pero igualmente interesante y de gran calidad.

Las colaboraciones de Dalí con varios cineastas (Disney, Hitchcock, Buñuel…) son magníficos ejemplos de surrealismo en escenas inolvidables, desde el corto de dibujos animados inacabado realizado con Disney a las inolvidables secuencias de la película “Recuerda”


El eterno retorno de un cadáver exquisito

Explicación de cómo los surrealistas intentaron cambiar el momento histórico tan complicado que les tocó vivir.


Pierre Schaeffer, música surrealista

La música experimentó los mismo cambios y rupturas que el resto de las manifestaciones artísticas en el siglo XX, caracterizándose por un deseo de cambio y de provocación que dio como resultado piezas como la que recogemos en este vídeo. Se trata de una composición basada exclusivamente en los sonidos que emite un tren en la estación y durante el trayecto.

¿Por qué este cambio? Para muchos artistas, las atrocidades cometidas durante las dos guerras mundiales no hacían merecedor al ser humano de un arte bello que deleitase los sentidos y reconfortara con su contemplación, era necesario remover el interior para conseguir despertar la conciencia de lo sucedido.


El Surrealismo desde sus orígenes.

La profesora Amparo Serrano de Haro Soriano explica los orígenes del Surrealismo, así como sus principales influencias en el Dadaísmo y otros movimientos de vanguardia anteriores.
Man Ray



Man Ray fue un artística polifacético que experimentó con todos los medios que estaban a su alcance, pintura, escultura, cine y fotografía, siendo esta última la expresión artística por la que ha sido más conocido.

La fotografía se convierte gracias a él y a otros muchos, en un medio más para expresar y plasmar el arte, siendo sus series fotográficas un ejemplo de estética magnífica.

Esta fotografía denominada “lágrimas” es la instantánea de una mirada hacia un lugar elevado que no se identifica, ni siquiera en el reflejo de las pupilas. En los márgenes de los ojos se han colocado dos esferas que parecen fluir sobre las mejillas, a modo de lágrimas. Se trata de un primerísimo plano que provoca en el espectador el deseo de saber más sobre esa mujer misteriosa.

Obra surrealista del mes





Dalí realizó muchos cuadros cuya temática era religiosa, centrándose especialmente en las “madonnas con niño”. La más conocida de todas ellas es la Madonna de Port Lligat, donde la Virgen María tiene el rostro de su esposa Gala y sostiene al Niño Jesús en su regazo.

La obra seleccionada para este mes se titula “Virgen de Guadalupe” fue creada en 1959 y de nuevo nos encontramos como imagen de la Virgen a Gala, sosteniendo a Jesús con sus brazos, ambos están embebidos por un disco solar que está formado por frutas o quizá se trate de un girasol inmenso. La parte del manto supone un lienzo en blanco para la imaginación del autor, que lo decora con imágenes idealizadas de ángeles, flores y nubes, dando sensación de recrear el paraíso en la vestimenta de la Virgen.

La iconografía del cuadro se completa con el jarrón con una azucena que está ubicado en la parte inferior del cuadro y que le da equilibrio a todo el lienzo dividiéndolo en dos perfectas mitades. La transparencia del vidrio lograda y la propia flor simbolizan la inocencia, pureza y belleza de la Virgen.


Salvador Dalí








Es considerado una de las figuras más controvertidas del movimiento surrealista, por su personalidad y por la magnitud de su obra. Es posiblemente uno de los artistas de los que más se ha escrito. Precisamente una de sus facetas es la de escritor, peros sus relatos no solamente no aclaran sus contradicciones, sino que en muchas ocasiones las agravan puesto que es difícil comprobar la veracidad de lo que afirma y sus contemporáneos nunca hicieron declaraciones al respecto de estos textos. 


Dalí se caracterizó por el escándalo y la provocación en muchas de sus actuaciones públicas, haciendo pensar que parte de verdad había en ellas, se trataba de la realidad o era tan solo un sueño? 






ESTETICA Y FREUD


Estetica y Freud


Sigmund Freud (1856 - 1939) se ha ocupado de cuestiones estéticas y la mayor parte de las veces con la advertencia de que sus reflexiones encaminadas a verificar el funcionamiento de determinados mecanismos psicológicos dentro de la actividad artística, sin que ello comporte ningún juicio de valor sobre la obra o sobre su significado más propio. Freud consideraba que el arte llega a lo más profundo del hombre y representa su liberación catártica.


En cada uno de los individuos hay escondido un poeta, dice Freud, de igual modo que está escondido aquél niño que ya no es. Precisamente es la actividad fundamental del niño, el juego, la que nos permite penetrar por analogía en el secreto de la actividad poética. Esa actividad consiste en la creación de un mundo cerrado en sí mismo, fantástico, o mejor en la ordenación del propio mundo a placer. Igual que el poeta, el niño toma en serio este mundo inventado, lo que no significa que confunda el mundo real con el imaginario, ya que la posibilidad de un encuentro rico e intenso con algo que sólo existe en la fantasía es posible únicamente partiendo de la distinción entre los dos ámbitos. Es esto lo que exactamente sucede con elarte.


Este individuo es el soñador que sueña con los ojos abiertos; que ya no es un niño y que tiene bien escondidas sus fantasías por miedo a la censura social, pero que continúa siendo un niño en tanto que fantasea y sueña. Y es en este punto donde interviene elarte . Soñar con los ojos abiertos responde a una necesidad psíquica esencial. Sin embargo, debido a que su manifestación produciría en los otros frialdad o repugnancia y vergüenza en el soñador, elarte se ofrece como el mediador velando, transformando y universalizando. A través de esta toma de distancia el arte hace posible lo que está en juego: la liberación de las tensiones de nuestra psique.

VANGUARDIA IV

ESTETICA Y FREUD


SURREALIMO

FUTURISMO


Futurismo



El futurismo es un movimiento artístico y literario surgido oficialmente el 20 de febrero de 1909, con la publicación del Manifiesto Futurista, del poeta italiano Filippo Marinetti, en el diario francés Le Figaro. La obra rechazaba el moralismo y el pasado. Presentaba un nuevo tipo de belleza, basado en la velocidad y en la elevación de la violencia.


El lema del primer manifiesto futurista de 1909 era "Libertad para las palabras", y consideraba el diseño tipográfico de la época, especialmente en periódicos y propaganda.

La diferencia entre arte y diseño pasa a ser abandonada y la propaganda es escogida como forma de comunicación.

El arte futurista


El futurismo se desarrolló en todas las artes, influenciando a varios artistas que posteriormente establecieron otros movimientos modernistas. Repercutió principalmente en Francia e Italia, donde varios artistas, entre ellos Marinetti, se identificaron con el fascismo.

El futurismo que guarda relación con el surrealismo se debilitó después de la Primera Guerra Mundial, pero su espíritu rumoroso e inquieto se reflejó en el dadaísmo, en el concretismo, en la tipografía moderna y en el diseño gráfico post-moderno.

La pintura futurista recibió influencia del cubismo y del abstraccionismo, pero llena de colores vivos y contrastes y la superposición de las imágenes con la pretensión de dar la idea de dinamismo.

En la literatura, las principales manifestaciones ocurrieron en la poesía italiana, que se dedicaba a las causas políticas. El lenguaje es espontáneo y las frases se fragmentan para expresar la idea de velocidad.

Características del futurismo

Estaba patente en el Futurismo la valorización del industrialismo y de la tecnología como progreso técnico. Además, sus bases estaban en el futuro, en la velocidad, en la vida moderna, en la violencia (militarismo) y la ruptura con el arte del pasado.

Otro factor conocido es la utilización de la publicidad como principal medio de comunicación. Esto, especialmente por el enaltecimiento de la tipografía de ese período, en textos que exploraban el lúdico, el lenguaje vernáculo y el uso de onomatopeyas.


En sus creaciones, los futuristas buscaban expresar el movimiento real, señalando la velocidad expuesta por las figuras en movimiento en el espacio.

Así, la pintura futurista influenciada por el cubismo y el abstraccionismo, tenía la pretensión de dinamismo. Al captar la forma plástica, la velocidad era descrita por los objetos en el espacio.

Las inspiraciones por los colores y efectos de luz del postimpresionismo, así como en las técnicas de las composiciones cubistas, son evidentes.

Futurismo en la Literatura

Inicialmente, surgió como un movimiento artístico literario, siendo de mayor influencia principalmente en la poesía italiana.

En el lema "libertad para las palabras", el manifiesto futurista creado por Marinetti definía los temas que servían de parámetros para los primeros integrantes de este movimiento: rechazo de la moralidad y de los tiempos pasados y la valorización de la vida urbana, moderna y acelerada. Algunos de los escritores conocidos por representar las ideas del movimiento futurista fueron: Vladimir Maiakovski, Filippo Marinetti, Fernando Pessoa y Oswald de Andrade, entre otros.

Artistas del futurismo




Giacomo Balla(1871-1958)

Uno de los exponentes del movimiento futurista en Italia. En su obra el pintor italiano intenta ilustrar los nuevos avances científicos y técnicos por medio de representaciones totalmente desnaturalizadas, aunque sin llegar a una total abstracción.

Sin embargo, mostró gran preocupación por el dinamismo de las formas, con la situación de la luz y la integración del espectro cromático.

En 1900, fue a París y tuvo contacto con las obras impresionistas y neoimpresistas y participó en varias exposiciones. En la vuelta a Roma, conoció a Marinetti, Boccioni y Severini. Un año más tarde, se juntaba a ellos para firmar el Manifiesto Técnico de la Pintura Futurista.





Carlos Carrá(1881-1966)

Pintor italiano, mientras ganaba su sustento como pintor-decorador frecuentaba las clases de pintura en la Academia Brera, en Milán.

En 1900, hizo su primer viaje a París, contratado para la decoración de la Exposición Mundial. De allí se mudó a Londres. Al volver, retomó las clases en la Academia Brera y conoció a Boccioni y al poeta Marinetti. Un año más tarde firmó el Primer Manifiesto Futurista.

En un segundo viaje a París, entró en contacto con Apollinaire, Modigliani y Picasso. A partir de ese momento, comenzaron a aparecer las referencias cubistas en sus obras.



Umberto Boccioni(1882-1916)

Pintor y escultor italiano, el más importante teórico y exponente del Futurismo.
Su obra se mantuvo bajo la influencia del cubismo, pero incorporando los conceptos de dinamismo y simultaneidad: formas y espacios que se mueven al mismo tiempo y en direcciones contrarias.
Publicó el Manifiesto Técnico de la Pintura Futurista. En 1912, participó en la primera exposición futurista. Sus obras aún dejaban traslucir la preocupación del artista con los conceptos propuestos por el cubismo.




Gino Severini(1883-1966)

pintor, artista gráfico y escultor italiano, después de conocer a Giacomo Balla y Umberto Boccioni, comenzó a trabajar como artista en 1901. En 1906, estudió en París, donde estudió a los impresionistas, se fascinó por las pinturas de Seurat y, conoció a Signac.

Se convirtió en uno de los cofundadores de ese estilo, cuando firmó el Manifiesto Futurista. Severini exhibió obras en 1912 en las exposiciones Futuristas en París, Londres y Berlín y desarrolló relaciones entre Italia y Francia, convirtiéndose en uno de los principales canales entre sus colegas italianos y los nuevos desarrollos en la capital francesa.



Luigi Russolo (1885-1947)

Compositor y pintor italiano.

En 1913, autor y compositor del manifiesto El Arte del Ruido, que teorizó la utilización de ruido para llegar a la composición de la música, en lugar de sonidos armónicos puros.

Su música se realizó con un instrumento que creó el Intonarumori , un dispositivo mecánico capaz de sonidos discordantes, que fue nombrado como "música futurista”.

VANGUARDIA III

FUTURISMO

LAND ART



El Land Art es un movimiento de arte contemporáneo que promueve la reflexión sobre la importancia de preservar el medio ambiente mediante majestuosas intervenciones que transforman paisajes en obras de arte.
Tuvo su origen en 1968 con la exposición Earthworks en la Candace Dwan Gallery de Nueva York a través de uno de sus mayores exponentes: Robert Smithson.
El movimiento busca sacar el arte de los museos, llevando las obras al exterior. La mayoría de obras de Land Art son provisionales, su carácter efímero se basa en su exposición al entorno y los elementos naturales que las rodean, como la lluvia, la erosión, el viento o cualquier variación natural del escenario donde se desarrolla. 
Por esa razón el Land art se documenta con filmaciones, fotografías, mapas durante la creación, construcción y finalización de la obra. Concediéndole un enorme valor al proceso constructivo de la obra frente al resultado final, se valora el cómo se hace de igual forma que la obra resultante.
Otra característica del Land Art es la interacción entre la obra, el entorno y el usuario que la experimenta; la mayoría de estas obras se conciben para ser vistas desde múltiples perspectivas, incluyendo en su recorrido las vistas aéreas y peatonales, pues el objetivo es que el individuo pase de ser espectador pasivo para convertirse en espectador activo, promoviendo un ejercicio mental para abordar la obra.
Para la realización de estas intervenciones se utilizan elementos de la naturaleza, presentes en el medio ambiente donde se erigirá la obra; las gamas de colores y texturas juegan un papel importante.

A continuación te presentamos algunos exponentes y sus obras más representativas en este movimiento:

Robert Smithson






Spiral Jetty (Utah, Estados Unidos)




Broken Circle / Spiral Hill (Emmen, Países Bajos)


Richard Long




Aconcagua Circle (Argentina)

BODYART


BODY ART


Body art es una expresión de la lengua inglesa que puede traducirse como “arte en el cuerpo” o “arte corporal”. Se trata de una disciplina artística que toma al cuerpo del ser humano como soportepara la creación de obras o como vehículo de expresión.

Resultado de imagen para Sex and Death .Tubos de neón montados sobre aluminio (Bruce Nauman)
Sex and Death .Tubos de neón montados sobre aluminio (Bruce Nauman) 
Por lo general el body art se desarrolla en el marco de una performance (una acción artística) o para registrar el resultado en videos o fotografías. En sus orígenes, muchas de las manifestaciones de este tipo de arte formaban parte de rituales.
Una de las expresiones más conocidas del body art es el body paint o “pintura corporal”. Esta práctica consiste en aplicar pintura sobre el cuerpo para la realización de diferentes clases de dibujos o la creación de figuras.
En numerosas tribus aborígenes se apelaba a este body art para reflejar la pertenencia al grupo, rendir tributo a los dioses o atemorizar a los enemigos en la batalla. Actualmente, en el mundo occidental, el body paint se desarrolla con fines estéticos.
Por lo general se trabaja sobre el cuerpo desnudo de la persona. Muchas veces se dibujan animales y figuras geométricas o incluso se simula la vestimenta. Este tipo de body art es frecuente en época de carnavales, por ejemplo. Es importante tener en cuenta que los artistas deben utilizar pinturas adecuadas para no provocar daños en la salud de los modelos.
Los tatuajes, los piercings y otras modificaciones corporales también pueden considerarse como parte del body art. En estos casos, el propio cuerpo pasa a ser la obra de arte.
De la misma manera, no podemos pasar por alto que el término Body Art también es empleado para hacer referencia a un tipo de acondicionamiento físico que existe y que se basa en considerar al individuo como un todo. Cuando decimos un todo nos estamos refiriendo a que del mismo se destaca que viene a mezclar lo que es el alma, la mente y el cuerpo.
Otros datos interesantes acerca de esta clase de sistema de acondicionamiento físico son los siguientes:
-Fue creado por el terapeuta y bailarín Robert Steinbacher. Le dio forma con el claro objetivo de encontrar una terapia con la que poder trabajar con niños con discapacidad.
-Del Body Art desarrollado por ese individuo hay que destacar que puede ser utilizado por cualquier persona para poder ponerse en forma. De la misma manera, hay que subrayar el hecho de que viene a ser una mezcla perfecta entre Yoga, técnicas de respiración y fisioterapia, entre otras disciplinas.
-Con todos los ejercicios que se realizan con este sistema de entrenamiento lo que se consigue es trabajar todos los músculos del cuerpo a la vez.
-Se considera que es una estupenda herramienta no solo para estar en forma sino también para corregir la postura, tener una mayor conciencia del propio cuerpo y liberar tensiones. Eso sin pasar por alto que contribuye a lograr el bienestar, que permite mejorar la concentración y que logra un buen estado de salud, tanto a nivel físico como mental.

HAPPENINGS

HAPPENING

El arte del happening. Wolf VostellWolf Vostell. Das Theater ist auf der Straße


Los inicios de este arte pueden situarse en la acción pictórica de Pollock, como creador de la action painting, sin embargo, cuando se habla de “arte de acción” se hace referencia a aquellas actividades que se desarrollaron bajo la denominación de happening.
No se trata de representaciones, sino de vivencias que subrayan la relación entre el arte y la vida. Tienen forma abierta, sin principio ni fin, y carácter efímero, porque se producen una vez y desaparecen para siempre.
Suponen la descontextualización del hecho y del objeto e implican el deseo de interesar a la mayor cantidad de personas para que colaboren en su creación y ulterior desarrollo. Por eso, los happenings no debían ser agresivos o provocadores, de lo contrario, inhibirían la participación.
Los happenings puros son aquellos en los que el participantes es libre de hacer lo que desee, ya que tienen lugar en espacios abiertos o lugares públicos (la definición es de Vostell).
Existen también happenings sobre un escenario, sin comunicación a través del lenguaje, en los que los participantes reducen éste a fragmentos aislados que no intentan una comunicación directa; happenings con separación de organizadores y participantes-espectadores, en los que éstos pueden limitarse a observar, y environments, con entornos planeados de antemano, precisando el lugar y determinando la actividad de los participantes. Los más destacados son los del grupo alemán Fluxus.

ARTE CONCEPTUAL



Arte Conceptual. 

Aunque se puede considerar que el Arte Conceptual nació con el dadaísmo, no fue hasta algo más tarde que se desarrollara como una vanguardia independiente. Sin embargo, comparte muchas de las premisas dadaístas, sin cuya existencia el Arte Conceptual no tendría razón de ser. Es una vanguardia de denuncia hacia una sociedad poco concienciada y crítica con lo que ve en salas y museos, y trata de incitar a la reflexión y a cuestionar aspectos muy afianzados relativos al mundo artístico y a su mercado. 




El Arte conceptual refiere un movimiento que emergió a mediados de los años 60 y que apropió ideas más allá de los componentes formales o visuales de la obra de arte tradicional. Los artistas que se vieron envueltos en esta expresión, fueron motivados por el reto de subvertir los presupuestos acerca del arte, conceptos como belleza, calidad, y la diferencia entre un documento y una obra de arte.



DefiniciónEl Arte conceptual 

Es un forma contemporánea de representación artística, en la cual, una idea o concepto específico, muchas veces personal, complejo e inclusivo, toma una forma abstracta, no convencional, basada en la negación de principios estéticos. El Arte conceptual es diferente del “Concepto” visto como contenido del arte, pero puede ser considerado una forma abstracta de la idea y de la percepción del trabajo artístico originada en la mente del artista, que luego puede ser presentada en una variedad de formas.


A través del uso de diversas técnicas, el Minimalismo, el Performance, la Instalación,… los artistas conceptuales buscaron reinterpretar lo que los artistas Pop ya habían presentado de una forma desorganizada y sin bases en la teoría del arte. De hecho, definiendo el concepto de un objeto, de diversas formas y a través de una presentación lingüística y con explicaciones escritas, cuestionaron directamente la más intrínseca naturaleza del arte, sus aspectos mentales e imaginarios.


En el arte conceptual, la relación entre artista, obra de arte y espectador fue transformada. Una obra de Arte conceptual no es una mera narración de la naturaleza en sus muchas variantes; los artistas, a través de inferencias personales, utilizan los elementos disponibles de la expresión para representar no solamente la naturaleza de los objetos sino además temas políticos, sociales y tecnológicos. En muchos casos el espectador, y a veces el artista en si mismo son parte íntegra de la obra de arte y su concepto base.


Inicios

Probablemente el más importante precedente de Arte conceptual fue el trabajo del artista Dada, Marcel Duchamp, quién a inicios del siglo 20 estableció la idea de “readymade”, el objeto encontrado que es elegido por el artista para convertirse en obra de arte. Duchamp inauguró la idea en 1913]] con La rueda de bicicleta, que consta de una sola rueda de bicicleta montada invertida hacia abajo por el tenedor en una banqueta de madera, posiblemente el más famosos de sus “readymades” es sin duda Fuente (1917), que era nada más que un orinal de porcelana, reorientado 90 grados, emplazado en un sitio y firmado “R. Mutt”. En los 50, mucho después de que muchos de sus originales readymades se perdieran, Duchamp re-hizo obras como Rueda de bicicleta y Fuente para la Galería Sidney Janis de Nueva York. Esto sirvió para alentar un resurgimiento en el interés por su trabajo, que no solo llevó a la aparición del Neo Dada sino que además despertó un amplio interés en el arte basado en la idea en todo el mundo del arte contemporáneo.

Uno de los primeros en seguir la noción de arte basado en idea fue Joseph Kosuth. Siendo uno de los pioneros de este estilo en Nueva York a mediados de los 60, Kosuth desarrolla un modelo altamente analítico basado en la premisa de que el arte debía cuestionar continuamente su propia intención. Lanzando sus ideas más famosas en un ensayo de tres partes titulado “El arte después de la filosofía” (1969), Kosuth argumenta que era necesario abandonar los medios tradicionales para continuar este auto criticismo. Kosuth cuestionó la noción de que el arte necesariamente necesitara ser manifestado en una forma visual.


Precursores

Los precursores inmediatos del arte conceptual pueden buscarse en el resurgir de las Vanguardias tras la Segunda Guerra Mundial, en una compleja serie de intercambios culturales entre Europa, EE.UU. y Japón. Dos figuras destacan como manantiales de nuevas ideas: el antes mencionado Marcel Duchamp (que emigró a EE.UU. durante la Primera Guerra Mundial) y el compositor estadounidense practicante del budismo zen John Cage. Sin embargo, fue en los límites de la pintura, donde se concentraron las actividades vanguardistas. En EE.UU., Robert Rauschenberg y Jasper Johnstransformaron la pintura con objetos cotidianos y eventos fortuitos, y cuestionaron su situación privilegiada en tanto que objeto especial. En Japón, las obras basadas en la performance del grupo Gutai ampliaron el informalismo y la action painting hasta transformarlos en actos rituales de agitación.

En Francia e Italia, Yves Klein y Piero Manzoni respectivamente desarrollaron prácticas vanguardistas paralelas en las que realizaron el contenido ideal de la experiencia artística a partir de su concepción alternativa del significado metafísico del monocromo. En cada paso, la ampliación hasta la destrucción de la idea de la pintura alentó un interés por lo efímero y lo inmaterial que prefiguró el "arte conceptual" con conciencia de su propia identidad subsiguiente.

HIPERREALISMO


Hiperrealismo

Conocido también como Superrealismo, Realismo Fotográfico y Fotorrealismo, es un movimiento pictórico surgido en la década de los '60, cuyas técnicas aspiran a una precisión casi fotográfica. 

El Hiperrealismo busca mantener en la pintura la conexión con la visión fotográfica del encuadre y la traducción fiel de la escena.Por tanto, los temas son representados con exactitud minuciosa e impersonal en los detalles, por medio de una agudeza óptica llevada a cabo con tal virtuosismo técnico, que supera la "visión" del objetivo fotográfico.





En algunos caso se utilizan grandes tamaños de cuadros y pintura plana, que aspiran a producir la impresión de inmensas ampliaciones fotográficas. 

Se va de lo real a la fotografía y de la foto al cuadro, reafirmando dos veces lo real o, tal vez, distanciándose doblemente del objeto; no hay una mirada subjetiva sobre la realidad, puesto que las imágenes son frías. 

El propósito del Hiperrealismo es acercarse a una supuesta objetividad visual en la representación de retratos, naturalezas muertas, interiores y paisajes, a través de un singular método de trabajo que compagina técnica y disciplina. 

Una disciplina de síntesis para la ejecución en la que intervienen los más modernos recursos infográficos junto a una superficial aplicación del color, por medio de veladuras y empastes y una destreza en el atrapamiento de la luz en el lienzo. 

Cuándo apreciamos una buena obra hiperrealista, asistimos al más notable triunfo de la representación, debido a la máxima eficacia del oficio como modo de producción y método de apropiación de la realidad visible. 

Pero también es cierto que se produce saturación de la información visual: el apego a la transcripción objetiva normalmente dificulta el despliegue de una audacia imaginativa mayor o divertimentos cromáticos que permitan las necesarias sugerencias poéticas de las imágenes expuestas. 

Algunos representantes de este estilo trabajan a partir de fotografías, tratando con igual agudeza y precisión todo el cuadro.

POP ART


Arte pop
Una galería de imágenes sobre la cantante Madonna en el estilo del arte pop

Arte pop (en inglés, Pop art) es un movimiento físico surgido en Reino Unido y Estados Unidos a mediados del siglo XX, inspirado en la estética de la vida cotidiana y los bienes de consumo de la época, tales como anuncios publicitarios, comic books, objetos culturales «mundanos» y del mundo del cine. El arte pop, como la música pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en las Bellas Artes, separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras, ​ además de resaltar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía.

El arte pop y el minimalismo son considerados los últimos movimientos del arte moderno y por lo tanto precursores del arte postmoderno, aunque inclusive se les llega a considerar como los ejemplos más tempranos de este.
Introducción

El arte pop es comúnmente interpretado como una reacción a los entonces dominantes ideales del Expresionismo abstracto. ​De cualquier forma, el arte pop también es la continuación de ciertos aspectos del expresionismo abstracto, tal como la creencia en las posibilidades de hacer arte, sobre todo en obras de grandes proporciones.​ Del mismo modo, el arte pop era una extensión como un repudio del Dadaísmo.​ Mientras que el arte pop y el dadaísmo exploraban los mismos sujetos, el arte pop reemplazaba los impulsos destructivos, satíricos y anárquicos del movimiento Dada. Entre los artistas considerados como precursores del movimiento pop están Marcel Duchamp, Kurt Schwitters, Man Ray, Max Ernst y Jean Arp.

El movimiento como tal surgió a mediados de los años 1950 en el Reino Unido y a finales de los años 1960 en los Estados Unidos.​ con diferentes motivaciones. En Estados Unidos marcó el regreso del dibujo del tipo Hard edge (traducido como «dibujo de contornos nítidos»​) y del arte representacional como una respuesta de los artistas al utilizar la realidad mundana e impersonal, la ironía y la parodia para contrarrestar el simbolismo personal del expresionismo abstracto.​ En contraste, el origen en la Bretaña de la post-guerra, aunque también utilizaba la ironía y la parodia, era más académico y se enfocaba en la imaginería dinámica y paradójica de la cultura popular estadounidense, la cual estaba formada por un conjunto de mecanismos fuertes y manipuladores que estaban afectando los patrones de la vida, mientras mejoraban la prosperidad de la sociedad.

Características
Obra de Andy Warhol

El movimiento urbano que constituye el arte pop, al contrario que el Expresionismo abstracto, pretende unir arte y vida mediante el enfriamiento de las emociones. Tiene el propósito de reflejar la superficialidad de los elementos de la cultura de masas en sus obras, es decir, coge productos de consumo accesibles para todos y los representa. Con esto se destaca la inexpresión y la impersonalidad del objeto, alejándose de cualquier tipo de subjetividad del artista.

Por otro lado, la repetición es una característica que abunda en este movimiento ya que en los medios de comunicación se usa como método tanto como para crear iconos como para anestesiar a la sociedad sobre problemas graves. Por lo tanto, en este punto de la historia del arte, el arte ya no imita la vida, sino que es la vida que imita el arte o la imagen.
El arte pop estadounidense

Aunque el movimiento comenzó a finales de 1950, el arte pop en Estados Unidos tuvo su mayor impulso durante la década de 1960. En ese momento, la publicidad estadounidense había adoptado muchos elementos e inflexiones del arte moderno y funcionaban a un nivel muy sofisticado. En consecuencia, los artistas de Estados Unidos tenían que buscar más profundo para los estilos dramáticos que se distancian del arte de los materiales bien diseñados e inteligentemente comerciales; por lo que los británicos consideraban a las imágenes de la cultura popular estadounidense desde una perspectiva un tanto alejada, sus puntos de vista se corresponden a menudo con lo romántico y connotaciones sentimentales o humorísticas. Por el contrario, los artistas de Estados Unidos siendo bombardeados a diario con la diversidad de las imágenes producidas en masa, producen en general un trabajo más audaz y agresivo. Dos pintores de gran importancia para la creación del lenguaje utilizado por el pop estadounidense son Jasper Johns y Robert Rauschenberg. Las pinturas de Rauschenberg tienen relación con los trabajos anteriores de Kurt Schwitters y otros dadaístas, y demuestran una preocupación por las cuestiones sociales del momento. Su método consistía en crear arte con materiales efímeros, con los que representaba acontecimientos de actualidad con los que los estadounidenses convivían día a día, lo que dotó a sus obras de una calidad única. El trabajo de Johns y Rauschenberg de la década de 1950 está clasificado como Neo-Dada, y es visualmente distinto del clásico Arte pop norteamericana que comenzó en la década de 1960. De igual importancia para el arte pop es Roy Lichtenstein. Su trabajo probablemente define la premisa básica del arte pop mejor que cualquier otro a través de la parodia. Selección de la tira cómica antigua como la materia, Lichtenstein produce un duro filo, la composición precisa que los documentos, mientras que las parodias de una manera suave. Las pinturas de Lichtenstein, como las de Andy Warhol, Tom Wesselmann y otros, comparten un vínculo directo a la imagen habitual de la cultura popular estadounidense, sino también tratar el tema de una manera impersonal, ilustrando claramente la idealización de la producción en masa. Andy Warhol es probablemente la figura más famosa del arte pop. Warhol intentó tomar Pop más allá de un estilo artístico a un estilo de vida y su obra a menudo se muestra la falta de afectación humana que prescinde de la ironía y la parodia de muchos de sus compañeros.

ARTE CINETICO

ARTE CINÉTICO

Expresión adoptada hacia 1954 para designar las creaciones artísticas fundadas en la introducción del movimiento como elemento plástico dominante en la obra.
Desde 1912 numerosos artistas experimentan con producciones cinéticas, como Larionov y Archipenko, para pasar en los años 20 a las construcciones de Gabo y Moholy-Nagy, sin olvidar las Placas de vidrio rotativas de Duchamp. Estos son los antecedentes de una serie de creaciones que manifiestan la influencia del ambiente tecnológico de los 50, siendo muchas de ellas expuestas en la Galería Denise René de París en 1955 bajo el ilustrativo título de “Le Mouvement”.En ella participaron artistas jóvenes que habían realizado experimentos creativos que sobrepasaban las fronteras de la pintura y la escultura tradicional por primera vez desde el fin de la II Guerra Mundial.
Procedían de Israel, Suiza, Bélgica y Sudamérica y el factor común de sus obras era la apuesta por el movimiento en contraste con la idea de la inmutabilidad de la belleza. Buscaban incurrir de ese modo en la cuarta dimensión del tiempo, anticipada por los constructivistas en los veinte.
Diez años más tarde la exposición “The Responsive Eye”, en el Museum of Modern Art de Nueva York (MoMA), supone la consagración oficial del arte cinético, influido también por los experimentos de la Bauhaus con el color y la luz y los móviles de Alexander Calder. Como indica Frank Popper, el movimiento puede ser real o virtual. En el movimiento virtual los efectos ópticos crean la ilusión de movimiento recurriendo a la psicología de la percepción; en ello trabajan artistas como Víctor Vasarely, Bridget Riley, Jesús Rafael Soto y Carlos Cruz-Diez, entre otros muchos. El movimiento real se produce por medios naturales, como el viento en los móviles de Calder, o por medios mecánicos, utilizando motores, como en ciertas obras de Tinguely.
El norteamericano George Rickey, que había construido móviles de vidrio desde 1949, exploraba también entonces, sistemáticamente, el movimiento como medio creativo. En su opinión, el cinetismo, Calder incluido, bebe de los motivos abstractos de Magnelli, Arp y Miró. Abogaba por una escultura cinética pura basada en principios precisos de ingeniería: oscilación, suspensión, rotación, vibración, movimiento pendular, elevación…En 1964 escribió que “el catálogo de procesos naturales que hasta la fecha se ha pasado por alto en pintura y escultura es infinito”. Su combinación de agujas punzantes que se balancean sobre superficies rectangulares fue esencial para el movimiento, marcando cómo, con construcciones abiertamente técnicas, la escultura podía seguir las reglas de la naturaleza.
En España el arte cinético está representado a través del Equipo 57 y de artistas notables como Eusebio Sempere, y en América Latina tuvo un gran eco, sobre todo gracias a artistas que vivieron en Europa, tal es el caso de Julio de Parc y Gyula Kosice de Argentina, Matilde Pérez de Chile y los ya mencionados Soto y Cruz-Diez en Venezuela.

MINIMAL ART


ARTE MINIMAL / MINIMALISMO

Minimalismo. Donald Judd. Undata-captiond, 1980
El término minimalismo en el arte fue empleado por primera vez en 1965 por Richard Wolheim en un artículo en la revista Art Magazine.
El Minimalismo transformó en los sesenta la concepción de la relación de la obra de arte con el espacio presupuesta por la escultura de la vanguardia clásica. Se producen cambios en los espacios expositivos, en los que ahora predominan paredes blancas desnudas y grandes salas, dado el gran tamaño de los objetos minimal.
Éstos, o bien estaban realizados para un tipo de espacio determinado (esquina, pared), o para intervenir en la percepción del espacio en que se inscriben. Pueden determinar, además de la experiencia visual del espacio, su habitabilidad.
A veces el espacio de la exposición llama la atención sobre sí mismo, por su extrema neutralidad o por el contraste que establece con las obras; otras veces es fondo evidente y buscado de las piezas, como ocurre en los proyectos de Carl Andre. En otras ocasiones, el espacio forma parte de la obra y es traído a la conciencia perceptiva por ella.
Obras de arte minimalistas. Robert Morris. Undata-captiond (Mirrored cubes), 1965Podemos decir que toda obra de arte modifica más o menos la percepción del espacio circundante, pero que las minimal lo hacen intencionadamente como parte de su contenido. La conexión entre obra y espacio es propiciada por el tamaño o la colocación del objeto. En definitiva, el espacio es en el Minimalismo el lugar en el que se produce el encuentro entre sujeto y objeto y la experiencia de la obra.
La mayoría de las obras minimalistas son poliedros regulares, aislados o en serie, de apariencia pobre o industrial, colores brillantes o apagados, materiales opacos o transparentes, o incluso construidas con ladrillos, neones o contrachapado; se trata de objetos geométricos simples en toda clase de materiales que carecen de la llamada “verdad del material” y de la neutralidad de los medios artísticos subordinados a la elaboración del artista.
Obras de arte minimalista. Minimalismo. Carl Andre. Magnesium Squares, 1969No cuentan con una forma significante que los separe del resto de objetos del mundo y los convierta en artísticos. Podríamos decir que la única propiedad pertinente de los objetos minimal sería esa misma objetualidad: la experiencia de una obra de arte es la de un objeto físico y su tamaño, forma y orientación en el espacio. El objetualismo minimal se manifiesta como afirmación de la escultura y de los materiales, propiedades y procedimientos que le son propios y como antipictorialismo o anti-ilusionismo.
Tanto la escultura minimalista como la vanguardista tienen en común su reivindicación de las condiciones propias de la escultura, pero difieren en el mayor e indirecto protagonismo dado al espectador en las obras minimal, en la incidencia de la unidad y completud de la experiencia receptiva en las obras seriales y en la mayor conciencia de quien contempla respecto a su rol como perceptor: se requiere de él una actitud diferente.
Obras de arte minimalista. Dan Flavin.La ubicación de los objetos minimal contribuye a su contenido, lo que erosiona en parte la autonomía de la obra de arte.
Entre los artistas que pusieron en práctica estas ideas figuran Robert Mangold, Robert Rayman y Brice Marden, así como otros artistas más jóvenes que abandonaron la pintura como Carl Andre, Dan Flavin, Robert Morris, Sol LeWitt y Donald Judd.
El Minimalismo influyó en earthworks tempranas de Smithson, Walter de Maria y Robert Morris y en el primer arte público y site-specific de Richard Serra.

SURREALISMO

Surrealismo  El término Surrealismo es de origen francés y quiere describir el ir más allá de la realidad, se aplica a la literatura ...